Trionfo di “Turandot” di Giacomo Puccini al Centro Culturale delle Filippine a Manila, 9 e 11 Dicembre 2022, con la sontuosa regia di Vincenzo Grisostomi Travaglini

La potenza del messaggio musicale si conferma per l’Italia  veicolo di comunicazione ineguagliabile, così come evidenziato nel discorso della First Lady “Liza” Araneta Marcos, consorte del neo-Presidente della Repubblica delle Filippine Ferdinand Romuáldez Marcos Jr in occasione della serata di gala per la nuova produzione di Turandot rappresentata con successo al Main Theater del Cultural Center of the Philippines a Manila. Non dovrebbe meravigliare l’entusiasmo, nella sempre crescente attività lirica a migliaia e migliaia di chilometri di distanza, nell’impegno di orchestre, coro e solisti di Paesi lontani coinvolti in iniziative operistiche del repertorio italiano, con sentita emozione a ogni rinnovata occasione e ci si sente implicati a una così vasta adesione! Con orgoglio all’esecuzione degli inni nazionali. Questo originale allestimento di Turandot è stato appositamente realizzato dopo la lunga costrizione pandemica, per le celebrazioni dei settantacinque anni delle relazioni diplomatiche e i sessanta dell’Associazione Filippine-Italia presieduta dalla signora Zenaida Tantoco. L’evento si è concretizzato nel concetto di una stretta collaborazione tra le Nazioni, con regista, scenografo e costumista Vincenzo Grisostomi Travaglini, il cui progetto artistico è stato realizzato interamente e con grande sfarzo di risorse da maestranze Filippine, con il fondamentale apporto dello scenografo realizzatore Ohm David e da Lupo Adolfo Lasin custode di antiche tecniche pittoriche; dei costumi favoleggianti di Jay Lorenz C. Conanan e con la particolare caratterizzazione dell’attrezzeria in versione filippina di Winter David. Turandot, in Puccini, ma si potrebbe anche riportare  un simile archetipo all’ondeggiante Mélisande in Debussy, è stata qui rappresentata come la Regina dei Naga. Questo è il legame immaginario della produzione con i miti fondatori dei reami del Sud-Est Asiatico: Java, Bali e Impero Khmer, esteso alle Filippine. La principessa erede al trono all’apparire della luna si trasforma in serpente simbolo di morte, mutando di giorno in forma umana dal fascino irresistibile, quanto donna inaccessibile racchiusa nel sontuoso mantello ricamato di squame a simbolo della sua origine divina. Sconfitta alla luce del sole, ritrova potere devastante al calar delle tenebre, scatenando la sua rabbia sul popolo inerme, per aderire al capolavoro pucciniano sino a costringere al suicidio la schiava Liù. Con l’alba il serpente trasfigura definitivamente in forma umana, sconfitta dall’amore dello straniero e da qui il legame creatosi nella distinta lettura, dalla commedia di Gozzi/Schiller tratta da una storia persiana con la leggenda del Sud-Est Asiatico del mito comune dei regni fondatori. Incontro di culture che ha trovato nella realizzazione piena evidenza. Musica accompagnata dalla poesia cromatica del disegnatore luci Giovanni Pirandello.

Direttore d’impetuoso talento il giovane lucano Valentino Favoino, allievo prediletto di Donato Renzetti, sul podio della prestigiosa Philippine Philharmonic Orchestra. Cantanti ospiti, dalla Corea il soprano Lilla Lee vigorosa Turandot, velenoso serpente dall’acuto pungente e il basso Jin Su Lee, riflessivo Timur; dall’Italia il tenore Alessandro Liberatore seducente Calaf. Particolarmente si distinguono per impegno e immedesimazione gli artisti filippini: la commovente Liù di Rachelle Gerodias, l’incisivo Ping del baritono nativo coreano Byeong In Park, il gran cancelliere Pong di Ivan Niccolo Nery insignito quale migliore tenore filippino dell’anno e il dinamico Pang di Ervin Lumauag. L’Imperatore è impersonato dal tenore Nomher Nival e Un Mandarino dal baritono Greg De Leon. Animato da euforico fervore il Coro appositamente formato, con maestro Camille Lopez Molina e il Coro di voci bianche Mandaluyong preparato da Sebastian Trinidad, per la prima volta in scena per un’opera. Compendiante la partecipazione del Corpo di ballo fondato dall’Artista Nazionale Alice Garcia Reyes, con coreografo Ronelson Yadao. Un incontro di grande impatto sia artistico che simbolico, che ha segnato il tutto esaurito, affiancato da iniziative collaterali, quali masterclass tenute dai protagonisti del titolo pucciniano per studenti universitari, l’anteprima aperta a ottocento ragazzi  delle scuole con la presenza del Vicepresidente della Repubblica e Ministro dell’Educazione signora Sara Duterte. Nella produzione il principe Sisowath Ravivaddhana Monipong di Cambogia ha svolto il ruolo di collaboratore per la messa in scena e drammaturgia, memore di un intenso dialogo avuto con Simonetta Puccini a Torre del Lago nel 2011, durante il quale s’impegnò a promulgare lo spirito pucciniano a favore della condivisione artistica della lirica nei Paesi dell’ASEAN. Un obbiettivo sempre maggiormente condiviso grazie a un interscambio culturale dialogante, in stretto rapporto con le nostre sedi diplomatiche.

Jean-Baptiste Joly

9 dicembre 2022

“L’Oriente per l’Oriente”, un articolo di Sisowath Monipong in “L’Opera International Magazine”, Maggio 2021

Dopo una prima puntata alla ricerca delle eroine orientali, così come percepite dai maggiori compositori d’opera, era giusto mettersi in viaggio per incontrare le cantanti dell’Asia misteriosa, di coloro che diedero vita sul palcoscenico a queste donne immaginarie del lontano Oriente, personaggi forti e fragili, creati da celebri musicisti europei, per poi essere elogiate interpreti di alcuni tra i ruoli più famosi del repertorio universale. Il rapporto tra la personalità della cantante asiatica e l’archetipo della donna, secondo i canoni della musica occidentale, metterà in moto numerosi impulsi creativi di direttori e registi, la cui sensibilità segnerà la differenza agli occhi di un pubblico eterogeneo e alternativamente di diversa formazione.Prima dell’inizio del Novecento la lirica europea non era conosciuta nel Sud-Est Asiatico. Questa cultura, cosi come si era sviluppata in Occidente, si era fermata ai confini dei loro imperi, mentre l’introduzione nei secoli precedenti in Cina era stata uno dei pochi effetti positivi del colonialismo anglosassone e francese. La musica occidentale fu introdotta alla Corte Imperiale di Pechino già nel 1711, grazie a Padre Teodorico Pedrini, lazzarista e musicista, inviato da Papa Clemente XI su richiesta dell’Imperatore Kangxi. Sarà un musicologo e gesuita francese, Padre Joseph-Marie Amiot, a succedergli nella seconda metà del ‘700. Sappiamo che Pedrini, oltre a comporre sonate e arie, portò alla Corte Imperiale clavicembali, organi e tanti altri strumenti, mentre Amiot aveva studiato e sostenuto la trascrizione di arie cinesi in partiture all’occidentale, pubblicate per la prima volta in Francia nel 1779. Aggiungiamo a questi fatti storici che la tradizione cinese, e per estensione coreana e giapponese, privilegia l’esistenza e la celebrità di un teatro cantato, detto Opera di Pechino, Teatro No, ecc. , nato per divertire e quindi era più facilmente recettiva alla diffusione di nuovi linguaggi, mentre questa intromissione, che fu avvertita come una contaminazione, non si produrrà nei territori del sud e sud-est dell’Asia, perché qui le arti del palcoscenico restano indelebilmente legate alla sacralità e alla sola pantomima, perché una ballerina sacra non deve fare sentire il suono della sua voce. Come nelle tradizioni greche dell’antichità, la musica del ballo per gli Dei è accompagnata solamente da un coro e non da una o più voci soliste.

Questa dicotomia nella concezione della musica cantata sul palcoscenico è un’ipotesi per spiegare il ritardo nella conoscenza del melodramma nei paesi del Sud-Est Asiatico. Quindi, non deve sorprendere se le prime donne asiatiche a studiare e cantare Mozart o Puccini furono originarie della Cina, Corea e Giappone. La primissima cantante cinese conosciuta è Zhou Xiaoyan, nata nel 1917 a Wuhan in una ricca famiglia d’imprenditori, che molto velocemente svilupperà le sue doti per il canto, con tessitura di soprano di coloratura; dal 1935 è al Conservatorio di Shanghai e poi a Parigi, dove salirà finalmente sul palcoscenico della prestigiosa Opéra Garnier per un concerto nell’ottobre 1945, conquistando il difficile pubblico parigino a tal punto da ricevere dalla stampa francese il glorioso elogio di: «usignolo cinese». Poco dopo, nel 1947, tornerà in Cina per divenire una brillante insegnante al Conservatorio di Shanghai, fino al decennio della Rivoluzione Culturale che metterà fine a qualsiasi forma di attività artistica non legata alla propaganda del Partito Comunista Cinese. Con l’apertura politica della fine degli anni ’80 del Novecento, sempre a Shanghai, Zhou Xiaoyan fondò il Centro per l’opera lirica Zhou Xiaoyan e toccherà l’apice del successo con un “suo” Rigoletto, all’alba del 1990, prima artista cinese a mettere in scena un’opera per il pubblico della sua terra. Deceduta nel 2016, Zhou Xiaoyan sarà ricordata come la grande precorritrice della lirica nel mondo cinese. I suoi allievi canterano nei più famosi teatri del mondo, dal Metropolitan di New York, al San Francisco Opera; in Europa a Bologna, Vienna e Francoforte. Ancora oggi, i giovani cantanti la venerano come una vera diva: la Dea della Lirica. Gli anni ’80 del Novecento porteranno all’esordio di un’altra stella d’Oriente, la bella e affascinante Sumi Jo di origine coreana, il cui vero nome è Jo Su-Gyeong. Nata nel 1962 a Changwon, Sumi Jo venne a Roma all’inizio degli anni ‘80 per frequentare il Conservatorio di Santa Cecilia studiando canto e pianoforte; suoi maestri Carlo Bergonzi e Giannella Borelli. Determinante per la sua formazione sarà l’incontro con Elisabeth Schwartzkopf, che imprimerà alla sua arte quel taglio di raffinatezza che la contraddistingue. Nel 1986 Sumi Jo debutterà in Europa nel ruolo di Gilda in Rigoletto di Giuseppe Verdi al Teatro Comunale di Trieste e sarà questa prestazione ad attrarre l’attenzione del celebre direttore Herbert von Karajan, che l’inviterà nel 1989 a cantare quale Oscar ne Un ballo in maschera al Salzburg Festspiele, in compagnia di Placido Domingo. Karajan disse che la sua voce era: «un dono divino». Sumi Jo è considerata la più grande cantante asiatica riconosciuta nel mondo della lirica contemporaneo e non si contano i premi dei quali è stata insignita nel corso della sua brillante carriera. Se la Corea ci ha donato Sumi Jo, seguita da Vittoria Yeo e Lilla Lee, per citare solo tre delle eccellenze originarie del Paese del Calmo Mattino, grazie alla fama universale di Giacomo Puccini e della sua nobile eroina costretta per necessità ad essere una Geisha, Cio-Cio-San, il Giappone aveva dato i natali con mezzo secolo di anticipo alla prima cantante asiatica che attraverserà mari e continenti, per rapire i cuori dei melomani d’Europa e d’America. Si tratta della dolce e discreta Tamaki Miura. Nata nel 1884 da una famiglia molto tradizionale, la giovane Tamaki imparò il canto e la danza tipici giapponesi. Nel 1900, dopo essere entrata nella prestigiosa Tokyo Music School, fu costretta dal padre a sposare un medico dell’esercito che, a causa della sua origine più umile, le avrebbe dato l’opportunità di essere mantenuta degnamente. Molto presto la fanciulla, però, decise di fare del canto il proprio mestiere e chiese il divorzio per essere libera di seguire la sua vocazione. Dopo il diploma, si consacrò all’insegnamento della musica e del canto. Si risposò nel 1913 con un medico civile e la giovane coppia partirà per Londra, per proseguire per Berlino. A Londra sarà il famoso, eccentrico tenore e direttore d’orchestra russo Vladimir Rosing a darle l’opportunità di cantare per la prima volta in quello che sarà il ruolo di tutta la sua vita di palcoscenico: Cio-Cio-San. Successivamente, debutterà nel medesimo ruolo negli Stati Uniti, a Monte-Carlo, Barcelona, Firenze, Roma e ovunque sarà applaudita protagonista dell’opera pucciniana e dell’Iris di Mascagni. Il suo destino quale primadonna di origine giapponese in campo internazionale, commuoverà ancora di più l’anima dei suoi conterranei, quando farà la sua ultima comparsa sul palcoscenico, sempre nel ruolo di Madama Butterfly, già gravemente malata. La sua sorte fu paragonata al funesto fatum dell’Impero del Sole Levante, schiavizzato dall’oppressore straniero dopo le due bombe atomiche di Hiroshima e soprattutto di Nagasaki, luogo d’ambientazione del capolavoro di Puccini. La sua ultima prestazione fece piangere il pubblico dell’Hibiya Kōkaidō di Tokyo due mesi prima della sua morte, nel marzo del 1946, talmente la cantante si era identificata all’agonia della propria nazione. La lista delle cantanti che seguiranno l’esempio di Tamaki Miura è ben lunga, ma basti ricordare Michiko Hirayama e Yoko Watanabe, vere precorritrici dell’arte operistica in Giappone, che apriranno la strada alle giovane speranze della lirica nipponica, tra queste Naoko Matsui e Kyori Oshida.

Iwasaki Ai (photo credits: Helmut Stampfli)

Ci sono altre cantanti giapponesi che hanno scelto di dedicarsi alla diffusione della cultura dell’opera lirica italiana nell’Asia del sud-est, che potremo definire veri e propri pionieri, quale ad esempio Ai Iwasaki, giovane soprano di Tokyo che ha studiato lirica in Italia con William Matteuzzi e Lucetta Bizzi, dopo essersi diplomata in musicologia alla prestigiosa Università di Showa a Tokyo. Da dieci anni Ai Iwasaki si è assunta il compito di portare la lirica in Cambogia realizzando il Cambodia Opera Project, che ha portato sul palcoscenico di Phnom Penh per la prima volta in assoluto nel 2017 Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni e nel 2019 Pagliacci di Ruggero Leoncavallo, oltre che dedicarsi all’insegnamento all’Università Reale delle Belle Arti, dando così impulso al gusto per l’opera nella gioventù di una monarchia rinascente, dopo un tragico genocidio e molti anni di guerra. Un altro paese che molto spesso viene dimenticato nell’elenco patrio delle dive asiatiche è la Repubblica delle Filippine. Il gusto per la musica classica occidentale dell’arcipelago risale alla colonizzazione spagnola, con l’arrivo dal diciassettesimo secolo di missionari e nobildonne dalla penisola iberica. Ovviamente, l’arte della lirica si sviluppò soprattutto nelle città principali di Manila e Quezon City, in un coinvolgimento non solo d’interpreti, ma anche nel fiorire di giovani musicisti che composero nello stile classico all’occidentale. Quando il Paese passò sotto l’influenza statunitense all’inizio del ‘900, venne a crearsi un vero e proprio trauma culturale e molti filippini si sentirono, ancor di più, investiti della missione di portare avanti la propria vocazione rivolta alla grande musica europea. Jovita Fuentes, nata nel 1895, fu la prima donna filippina a cantare l’opera sotto l’impulso della sua maestra di canto, l’italiana Salvina Fornari. Dopo essere stata professoressa di canto all’Università di Manila, decise di recarsi a Milano nel 1924 per migliorare la sua tecnica, sia di canto che di recitazione, sotto la direzione di Arturo Cadore e Luigi Lucenti. Nel 1925, cantò Cio-Cio-San al Teatro Comunale di Piacenza, poi parti per altri paesi europei e, in seguito, per gli Stati Uniti, dove la sua fama crebbe con celerità. Fu una delle rare interpreti asiatiche della sua epoca a impersonare anche Mimì e Salome, evadendo dalla simbolica prigione di Madama Butterfly, considerato da molti l’unico ruolo idoneo per una donna orientale! Prima donna filippina ad esserne insignita, nel 1976 fu riconosciuta ufficialmente dal Governo Nazionale Tagalog: Artista Nazionale della Musica. Fu Isang Tapales a raccoglierne l’eredità, ovviamente cantando Madama Butterfly. In seguito fondò la prima compagnia filippina di lirica: The Philippine Opera Company. La figura, però, che principalmente marcherà il pubblico del secondo dopoguerra sarà incontestabilmente Mercedes Matias-Santiago. Nata nel 1910, la piccola Mercedes crebbe in una famiglia di melomani, appassionati di opera. Molto spesso ebbe occasione di assistere a recite d’opera al Manila Grand Opera House. Nel 1928, si era trasferita a Milano per apprendere la giusta tecnica del Bel Canto all’italiana e prima di tornare in patria ebbe l’onore di cantare davanti al re d’Italia Vittorio Emanuele III e al Duce. Il suo repertorio spaziava da Gilda (il suo debutto in Italia è del 1930 a Torino) a Violetta, Amina, Rosina e tanti altri ruoli, ma il suo personaggio preferito era Lucia. Al tramonto della sua vita, in un’intervista rilasciata al giornalista Pablo A. Tariman, affermerà: «La mia vita è un poco come Lucia di Lammermoor (…) un poco triste, un poco tragica … un poco romantica!». Mori nel 2003, lasciando un ricordo indimenticabile di donna irresistibile, alla quale il Presidente filippino Manuel Acuña Roxas aveva inviato un mazzo di fiori immenso, alto più di due metri, con la dedica: «All’usignolo delle Filippine».

L’ultimo trionfo operistico a Manila prima della pandemia nel gennaio 2020 è stato proprio con Lucia di Lammermoor. Il ruolo della protagonista era sostenuto dallo spumeggiante soprano francese Melody Louledjian, ma questa volta era Edgardo ad essere filippino, il seducente e molto popolare tenore Arthur Espiritu, con sul podio il maestro Alessandro Palumbo, giovane promettente direttore della migliore scuola italiana e con il maestro Vincenzo Grisostomi Travaglini che, qualche mese dopo il successo di Pagliacci in Cambogia, si era dedicato con passione alla regia del capolavoro di Donizetti a Manila!Rimane ancora tanto da fare per diffondere la cultura della lirica italiana in Estremo Oriente, ma gli ultimi anni hanno dimostrato il desiderio della gioventù di essere coinvolta nell’emozione universale di questa arte. Anni or sono, durante una recita di Macbeth al Teatro Bunka Kaikan di Tokyo in una produzione realizzata da italiani, protagonisti il baritono giapponese Yasuo Horiuchi e il soprano Francesca Patanè, figlia del celebre direttore d’orchestra, all’apparire degli Otto Re, con effetto del tutto originale, uno dei dirigenti della Japan Opera Foundation – Fujiwara Opera, disse che solo in quel momento aveva veramente capito perché solo degli europei erano in grado di trasmettere in modo così efficace l’originale essenza dell’opera; una forma d’arte, però, che oramai apparteneva di diritto a tutti i popoli, agli artisti di ogni nazionalità che ne sapevano restituire personali, quanto legittime ed emozionanti interpretazioni.Queste affascinanti cantanti asiatiche devono essere ricordate, donne e protagoniste d’eccezione di Puccini, Mascagni o Léo Delibes, per fare soli pochi esempi, quale espressione più significativa della speranza, non solo come disse Dostoevskij perché: «la bellezza salverà il mondo», ma soprattutto nella convinzione che la lirica e la musica avranno sempre più un ruolo fondamentale nella condivisione delle arti tra i popoli.

Sisowath Ravivaddhana Monipong

“The power of Italian art” Lucia di Lammermoor at Manila Main Theatre, an article of Francesco Germinario in “L’Opera International Magazine”, March 2020

“The power of Italian art”

Lucia di Lammermoor at Manila Main Theatre,

an article of Francesco Germinario in “L’Opera International Magazine”, March 2020

“The Italian musical culture is present world wide, for instance in Manila  thanks to the initiative of the Philippine-Italian Association with Mrs. Zenaida Tantoco as President and the participation of the Italian Embassy in the production of “Lucia di Lammermoor” in the wide hall of the CCP (Cultural Center of the Philippines) Main Theatre, whose president is Arsenio J. Lizaso, respectively co-producer and producer of this new proposal. Creative Project Co-ordinator: Giampaolo Lomi.

The appreciated project was launched two years ago with “L’elisir d’amore” of Gaetano

Donizetti and was reinforced this year with the creative involvement of Lucia of the same composer, which gave the opportunity to gather many countries: from the Philippines, with the participation of tenor Arthur espiritu, mezzo-soprano Camille Lopez-Molina, tenors Ivan Nery and Nomher Nival; from Italy, conductor Alessandro Palumbo and Director Vincenzo Grisostomi Travaglini; the soprano Francese, of Armenian origins Melody Louledjian; Corean baritone Byeong-In Park, naturalized Filipino and the Chinese bass Shi Zong.

The orchestra is the prestigious Philippine Philarmonic Orchestra and the Choir Viva Voce and Friends.

The initiative, structured on several production and musical levels, has involved local high skills, as the sets and costumes, which were deisgned by Grisostomi Travaglini himself, were realised in the workshops and ateliers of Manila, with the contribution of Eric Gabat Cruz for the sets, of Bonsai cielo for the costumes and Winter David for the props. The lighting designer was Giovanni Pirandello, in tight collaboration with the numerous CCP equipe; CCP, of which was celebrated the 50th Anniversary.

All assistants were very young, as they were searching for a “live” professional experience, looking forward to a lyric programme of wider dimensions and the CCP directors were already thinking of the next opera to be staged, within the Italian repertoire, which will be an absolute new show in Manila next time.

To enrich such enthusiasm and union of intentions, the collaboration of Prince Sisowath Ravivaddhana Monipong, who, as Ambassador of the Royal Household of Cambodia, brought all his energy to enhance the level of cultural exchange between Europe and South-East Asia.

From the very beginning of the rehearsals, the attention for the initiative was at its utmost level, and since the press conference, the medias have given the largest place to the event. A confirmation of how appreciated is Italian musical art world wide and always with increasing interest.

The performance, which took place within the CCP Main Theatre, “made people dream” as it was written thanks to the utmost care of the musical result, with particular reference to the work of Alessandro Palumbo, who gave his soul to transmit to the soloists, orchestra and choir the message of universality, which is hidden in the heart of this neo-romantic “donizettiano” masterpiece.

A careful staging, rich with suggestive details, concentrated to render fluid the succession of the opera scenes, leaving essential the visual effects and the deep meanings of the drama.

Of particular intensity, the refined lighting design of Giovanni Pirandello. The success was full of passion for the Filipino tenor Arthur Espiritu, who came back on a Manila stage after years of absence. His voice, warm and expressive, gave particular emotions which caused Edgardo to receive an actual and proper ovation at the end of the Aria and Finale Fra poco a me ricovero …

The emotions given by soprano Melody Louledjian, at her debut in the role were not least, so sentimentally arousing and convincing. The cast could seem heterogenous in its whole but the result was harmonious, the fruit of the careful preparation and the deep reflection on each single character.

One special mention to the young choir Viva Voce and Friends with Maestro Camille Lopez-Molina (who interpreted Alisa in the opera as well), which gathers young musicians and singers who, thanks to their enthusiasm, leads the future of music to be bright in Manila’s heaven.

Success for the gala evening and euphoria for the following matinée, with a young audience, so numerous to wait for the artists at the end of the performance for the traditional CCP “Meet and Greet” in the foyer of the theatre, which united all the participants of the production with the audience in a big embrace and celebration without borders.”

Our gratitude to photographers Alex van Hagen and Domingo Gannaban for the beautiful pictures.

“L’elisir d’amore” of Gaetano Donizetti in Manila: the memories of the setting up of an Opera in the Philippines with Maestro Vincenzo Grisostomi Travaglini

The project for a new production of an opera in the Philippines is in itself an adventure.

A challenge into the unknown in a country, which is far, not only geographically but also

culturally. Among lessons learnt out of numerous travels abroad, there is one prevailing

principle: never give a universal meaning to what was already experienced, but one should remain conscious that some precise emotions should be translated not into words, but above all, into thoughts. This is how all began, with an assessment trip to the populous capital city of the Philippines, in Manila.

Ravi (who kindly hosts me on his Blog) and I were thus involved in a long, but quite usual, trip towards new constructive adventures. Ravi was born in south-east Asia, in Cambodia and in spite of his rational convictions due to his French roots, he still owns the egnimatic turn of mind, typical of Orient. He, a member of the Khmer Royal Family, was the one who pushed me in the enthusiasm of this new challenge, for a major involvement in South-East Asia and in memory of his grandfather, Prince Norodom Monissara, who led the cambodian diplomatic representation in Manila from 1963

to 1965. It is with pride that we wore the precious Barong, the traditional formal philippine shirt, a gift of Mrs. Tantoco.

As far as I was concerned, in order to proceed with method, I had to convince myself once again that Asia is huge continent and that the Philippines were far away from industrious Japan, where I had so many work satisfactions, from borderless China from Beijing to Shanghai or even from creative Cambodia. The Philippines was a specific reality, as each territory owns its proper identity.

Our reference spot in Manila was the CCP, Cultural Center of the Philippines, built in the 1960s under President Ferdinand Marcos, counselled in the cultural field by his wife, Imelda Marcos. I have always been fascinated by the involvement of Orient in musical culture, especially the italian one: One more reason to reflect on how such far countries with so different traditions could receive the message of our classical composers with sensibility. In Manilla, in the last decades, some very famous soloists sang on the CCP stage, from Luciano Pavarotti to Montserrat Caballé. Legendary Palcido Domingo did an unforgettable “Turandot” with Eva Marton, under the direction of Giampaolo Lomi, who was essentially known in the field of cinema and who has been, thanks to his tightly-knit relationship with the Philippines, the main promoter of our participation to this initiative. He was the one to receive the proposal of Mrs. Tantoco, President of the

Philippines-Italia Association, to set up an opera to celebrate the 70th anniversary of bilateral relations between the two nations.

After the official backgrounds arose the numerous emotions: the tumultuous arrival after a long and tiring trip, the tangling roads in a tropical heat, scarcely mitigated by a supposedly refreshing breeze; and, above all, the curiosity of this immense CCP building, headquarter of a lively activity, with unexpected theatre spaces. An efficient stage staff, with absolute and heartfelt collaboration. One evening, Mrs. Tantoco invited us to a concert of the PPO, Philippine Philarmonic Orchestra, which benefited from the teachings of Maestro Franco Ferrara in the mid 1960s, after his stay in Japan. To put it in a nutshell, a fascinating reality was opening itself to our eyes, inviting us to build up a project, which should have an Italian signature !

The idea was to involve friends, esteemed professionals, such as Maurizio Varamo of the Opera of Rome for the sets and Otello Camponeschi for the costumes; both fellows, always available, began to work at once to provide me with sketches, renderings and models. The choice of the opera was made by Mrs. Tantoco who preferred “L’elisir d’amore” of Gaetano Donizetti, “melodramma giocoso” which had been never staged in the Philippines. Eugène Scribe chose to virtually set the action in Spain, in Asturias province, but it is well known that the “librettista” Felice Romani and above all, Donizetti himself, wanted the opera to take place in Lombardy.  We were here in the Pacific Ocean and to give a special expression to the action, I chose to set it in the Roman countryside with its pinetrees, in the 19th century, mostly inspired by the designs of Bartolomeo Pinelli.

The set maker was Mio Infante: From Florence, where he was staying, he came to Rome to be initiated to the treasures of the Eternal City, in occasion of a visit to the workshops of via dei Cerchi, led by Maurizio Varamo with eloquence and many stories, all testifying with wit of the secrets of the Italian School of Opera set designing.

For the costumes, Bonsai Cielo was called and her collaboration gave birth to a beautiful interpretation of the original designs with the bright colours and materials of Philippine traditions.

Such a new and ambitious project demanded concrete supports and the encounter with Executive Producer Nestor O. Jardin was fundamental. Nes, as we all call him friendly, is such a rich personality, who, from the beginning, welcomed us with professionality and sharpness, even when our requests became so complex and overflowing, understanding the targets and the necessity to have the right means to achieve them. With him, Professor Raul Sunico, a great musician, fanous for his prestigious teachings, full of wiseness.

To complete the whole creative team, we were missing the key person, the magus who would be able to render the marvels of lights on stage: the challenge was accepted by Giovanni Pirandello, the great-grandson of the Nobel Prize fro Literature: a concentrate of professionality to be proud of !

Last but not least, the whole cast of singers was to be chosen with the utmost care, in order to give the right connotations to the voices. The Philippines has asked for a significant italian participation but to materialise the actual spirit of collaboration, we needed definitely to give space to the local artistic excellency expressions.

In Manila, together with Ruggero Barbieri, the conductor chosen by Mrs. Tantoco for his solid reputation in the city for several years, we heard many young singers, most of whom were students of soprano Rachelle Gerodias-Park. The ideal that we were longing for and achieved was to have Rachelle herself bringing her special participation as

Giannetta, who perfectly knows how to “cantare all’italiana”, thanks to the teachings of famous diva Mirella Freni. Together with her, for the role of Belcore, Corean Baritone Byeong-In Park, who happened to be Rachelle’s husband, with his solid voice and reliable stage presence. For Adina, the choice was indicated by the Philippine sponsors who noted Elena Monti in Manila in a concert last year which was quite a success thanks to the art of this young and almost charming soprano.

We were still missing tenor and “buffo”. This was an admirable opportunity to open up towards young talents of lyrical art and our absolute reference in finding them was Mrs. Giovanna Lomazzi, vice-president of As.Li.Co. She was coming back from Sant Cruz de Tenerife, after listening to Costa Rican tenor, David Astorga, who won immediately

the first prize of the Salice d’Oro: who else could be a better Nemorino? From Trapani, the baritone, for the occasion in the role of “buffo”, the histrion charlatan Dulcamara would be Francesco Vultaggio, a brilliant student of Simone Alaimo.

The cast was finally done !

This is when the alchemy begins to come true, the stage got animated and the project to get realised. No experience could leave someone indifferent at the very moment of a production birth; a show which will be always different, of which each repetition will never resemble another one and of whom, emotions will be unique because unable to be repeated.

Rehearsals are synonymous of quality and each production is for all, conductor and director included, an opportunity to gain a different conscience. This availability of spirit is a fundamental condition to guarantee the quality of a performance.

One should be opened to what is going to emerge on each very moment, flexible enough to change mind on the spot, following the stream of ideas, motions and gestures which would arise all of a sudden. It is the necessary sine-qua-non to the creative process, the source of enriching surprises, as, for instance, the ones born from the collaboration with the young singers of the Coro Tomasino: our first encounter was under the sign of prudence: “Are they aware that this very special opera needs their constant presence all along the performance” was the question I brought to myself. “How can we render the French manner drama style, although we have to obey some theatrical tricks from the Naples traditions” was another one. The young singers were very attentive and followed every single indication given by Ravi, who is actually gifted to interpretate and translate

my concepts and direction with simple words and efficient phrases. The art of talking to crowds is more than a job, it is a gift!

Day after day, the participants got transformed into characters, following their very own personal motivation to be rendered in deeds and expressions throughout singing and acting. Here, in the Philippines,  there is no need for a director to beg for extra hours of rehearsals – absolulety impossible in Europe – because in Manila, all of the coro members, with their kind Maestro Ronan Ferrer, were always ready and grateful for all that they could be able to learn from these precious staging lessons. The emotion would be at its utmost point when, at the end of the performances, the expression of all the young singers would reach its most sincere expression when greeting Prince Ravi, each of the young students of the Conservatory would rise Ravi’s hand towards each one’s forehead in sign of gratitude and respect, from Asians to another Asian, in a universal embrace.

The rehearsal venues in the heart of CCP got animated day after day, following the natural metamorphosis of the progress done in the flowing experiences of an opera setting up. The stage got alive all at once and the music got free from the melody, in which it was jailed. The following surprises came from the extras; all, students of the UST Conservatory, got so deeply involved in their acting, that they gave me the clear impression to become real interpreters of the highest level of drama, always with good mood and smiles.

Last but not least, the marvellous collaboration of elements of the Philippine Ballet

Theatre, for whom I had in mind only two little interventions, at the beginning of the two acts, but, as the dancers got passionately immerged in this sparkling profusion of colours and sounds, from time to time, reported to one’s personal sensitivity, the same dancers brought to life the scenes of Pinelli’s Rome, with mandolines and tamburins, with vivid moves, reflecting elegant poetry in an original interpretation. My grateful thanks to the choreographer Anatoly Panasyuokov, from the Bolchoi ! Our farewell greetings were very emotioning.

The theatrical machine was on its way and no one was left on its own, thanks to the professionality, doubled with witty humour of our stage manager, fairly known as the best of the Philippines, Ed Murillo. In all the show “within the show”, Ravi and I appreciated some litlle privileges such as the (hidden) permission to take a coffee backstage, for instance.

So, then,…. our hearts were beating hard on that very “Gala” evening of the 7th October 2017. One could be prepared and done it for hundred times, but whenever the curtain is opening, words are really lacking to describe the feelings.

Even more after the greetings of CCP President  Arseno J. Lizeso, of our ambassador Giorgio Guglielmino recently arrived in Manila, who definitely wants to increase the level of the cultural collaboration, in this case, in the field of opera, between the two countries, and of the President of the Association Philippine-Italy, Zenaida Tantoco. The

execution of the two national anthems, philippine and italian, with the respective flags on both sides of the stage, the prestigious attendance of so many ambassadors, among whom Her Excellency Mrs. Tuot Panha, ambassador of the Kingdom of Cambodia to whom goes my heartfelt gratitude for her encouraging words and presence from

the beginning of this adventure. In synthesis, an honour evening, which weigh its importance on our shoulders with a final result so satisfactory !

The day after, sentiments and feelings were even stronger in occasion of the “matinée”. For the Gala evening, the prices of the tickets were voluntarily high to gather funds for the construction of a new church in the apostolic parrish of Tondo, Manila; on the following sunday, the prices were more accessible and surprisingly, most of the 1.800 seats were occupied. A heterogeneous audience and the new Philippine generation was invading the theatre with its refreshing and exulting strength, during the warm, always accurate applause; a sign of a real involvement  in what was going on on stage, as when the audience asked for a “bis” of the famous aria “Una furtiva lagrima”. I was in the light control cabin at the moment of the litteral “invocation” of the “bis” and during the endless applause, the technician launched the following light effect. Generous David Astorga made a sign to the conductor to grant the “bis” and at the same moment, with my approximative English, I tried to have the technician go back to the previous lighting effect. It was a real effort for him: never in his life had he had to do such a thing ! This is when I definitely realised that how all our “rituals” were so different: having an “aria” repeated for us is a clear sign of success and I understood all of a sudden how intense and interesting for both parts were these days spent together, trying to assemble competences and talents to the service of art for art’s sake, a great sentiment of reciprocal progress.

At the end of the performance, when all the soloists, with the conductor and the guest director, were invited to an informal encounter with the spectators on the stairs of the “Foyer”, like 1930s divas. Twinkling flashes of cellphone cameras were telling us not to go, which I personally translated into a “one more time” and “arrivederci” !

“L’elisir d’amore” of Gaetano Donizetti for the first time in Manila: Article of Francesco Germinario in “L’opera international magazine”, November 2017

Johann Strauss Society of the Philippines Gala Concert on 25th April 2017 in New World Makati Hotel, Manila

On Tuesday 25th April 2017, I had the honour to attend the Johann Strauss Society of the Philippines 2017 Gala Concert, together with Marquis Vincenzo Grisostomi Travaglini. On this occasion, we were very pleased to hear marvellous Soprano Rachelle Gerodias, whose husband, Baritone Park Byeong In, was seated at our table, under the direction of our friend Maestro Ruggero Barbieri.

Left to right: Madame Olga Severino Martel, President of the Johann Strauss Society of the Philippines, Mrs. Diana Jeanne Lopez, Mrs. Agnes Huibonhoa, Consul of Gambia, Prince Sisowath Ravivaddhana Monipong and Madame Zenaida Tantoco and her husband, Mr. Patrick Jacinto

 

The programme was full of joy and reminded me very much of the Vienna New Year Concert. Many members of the Manila High Society were present, among whom our beloved Opera Maecenas, Madame Zenaida (Nedy) Tantoco and her husband, Mr. Patrick Jacinto, Mrs. Olga Severino Martel, Consul General of Monaco Mrs. Fortune Ledesma, Mrs. Diana Jeanne (DJ) Lopez, Mrs. Agnes Huibonhoa, Consul of Gambia, Professor Raul Sunico and 21 ambassadors and their wives, among whom His Excellency Massimo Roscigno, Ambassador of Italy and his beautiful wife, Agnes Ventura and His Excellency Rida El Fassi, Ambassador of Morocco, etc…

Together with Marquis Vincenzo Grisostomi Travaglini, Madame Zenaida (Nedy) Tantoco and His Excellency Massimo Roscigno, Ambassador of Italy to the Philippines in occasion of the Gala Dinner and Concert of the Johann Strauss Society on 25th April 2017

Between Ms. Lulu Casas, our “Guardian Angel” during our stay in Manila and talented Baritone Park Byeong In, listening to his wife’s marvellous voice

Together with Soprano Rachelle Gerodias after her triumph at Johann Strauss Society’s Concert in Manila on 25th April 2017, with Madame Zenaida Tantoco and her husband, Patrick Jacinto, M° Ruggiero Barbieri, Marquis Vincenzo Grisostomi Travaglini and His Excellency Rida El Fassi,  Ambassador of Morocco and Mrs. Monia Zaoui

http://www.philstar.com/cassandra/2017/05/07/1697289/johann-strauss-society-gala-concert-2017-new-world-makati